“Il lungo buio di ‘Katyn’ prima dei titoli di coda era necessario per poter in silenzio salutare le migliaia di vittime di quell’eccidio”. Così Andrzej Wajda, regista cinematografico e teatrale, a conclusione della proiezione al Bari Film Fest del suo capolavoro del 2007 incentrato sulla strage di ottomila ufficiali polacchi da parte della polizia segreta di Stalin nella foresta di Katyn, vicino Smolensk, nel 1940. In quel tragico evento, che Mosca ammise solo cinquanta anni dopo, al termine della guerra fredda, morì anche il padre del regista. Furono uccisi con pallottole tedesche, che la Germania aveva dato alla Russia con cui in quel momento aveva ancora buoni rapporti. Da qui la lunga menzogna del Cremlino, fino alla scoperta delle fosse comuni da parte dei nazisti che tre anni dopo invasero l’Unione Sovietica. “Ho fatto questo film – ha spiegato il regista polacco – non solo perché lì morì mio padre, ma perché mi è sempre rimasto dentro il ricordo di quando, teenager, guardavo la disperata e inutile ricerca di mio padre da parte di mia madre. ‘Katyn’ vuole essere un omaggio a quelle donne, ferite profondamente, sole ma coraggiose”. Una pagina di storia polacca che nel quasi novantenne regista, pluri-premiato in tutto il mondo, suscita tante domande, storiche e culturali. “Perché – si domanda – ucciderli e non invece solo catturarli? Perché questo eccidio non ha, ancora oggi, riflesso nella letteratura polacca?”.
Dopo aver ringraziato il neorealismo italiano per averlo aiutato nella stesura di “Katyn’, Wajda precisa: “Il film dura due ore perché la vicenda richiede tempo per essere capita bene in tutti i suoi aspetti, molti dei quali scoperti attraverso i diari delle donne rimaste sole: nella notte in cui tutte le famiglie degli ufficiali trucidati furono deportate in Kazakhstan affinché non creassero un movimento di ribellione, ci furono anche ufficiali russi che cercarono di opporsi all’ordine di Stalin”.

Read more →

Quarantatré anni dopo il premio della critica internazionale al film Trevico – Torino la Fipresci, in occasione del suo novantennale, torna a celebrare il talento di uno dei più grandi registi della storia del cinema:

ETTORE SCOLA

Nel corso del tempo questo formidabile autore ha scritto e diretto capolavori che si sono fortemente radicati nell’immaginario del pubblico di tutto il mondo raccontando con sottile e talora perfida ironia miserie e grandezze, lacerazioni e speranze dei suoi tanti immortali personaggi,  interpretati da attori che sono nella leggenda, da Mastroianni a Gassman, da Sordi a Tognazzi, da Manfredi a Sophia Loren, per dire solo degli italiani.

Il suo cinema acuto e ricco di umorismo, lungimirante e talora profetico ha spinto generazioni di spettatori  a riflettere e a considerare in maniera diversa i temi e le idee di questo grande autore che con intelligenza, arguzia, ma anche sarcasmo e un po’ di cattiveria ha narrato con sguardo divertito e appassionato le storie degli uomini e delle donne del nostro tempo.

Con film come La congiuntura,  Riusciranno i nostri eroi, Dramma della gelosia, La più bella serata della mia vita, C’eravamo tanto amati, Brutti, sporchi e cattivi, Una giornata particolare, La terrazza, Ballando ballando, Splendor, Che ora è?, Il viaggio del capitan Fracassa, La cena, Che strano chiamarsi Federico - solo per citare alcuni titoli della sua ricchissima filmografia da regista e da sceneggiatore – Ettore Scola ha toccato con stile e originalità le vette dell’eccellenza artistica e cinematografica.

“Esattamente 120 anni fa, nasceva il cinema ad opera dei fratelli Lumière. Come sarebbe stato il XX secolo senza il cinema, e chi sarebbe stato Ettore Scola senza il cinema?” Con questi quesiti, il critico Enrico Magrelli introduce la master class di Ettore Scola al Teatro Petruzzelli di Bari.

Il regista di Una giornata particolare fa un excursus sulla storia della settima arte: “Fin da subito si affermarono due filoni ispirativi differenti del modo di fare cinema: da un lato troviamo i Lumière che rappresentavano la realtà, e dall’altro lato c’era Méliès che con Viaggio nella luna ha inaugurato il cinema di fantascienza”. “Il cinema – continua Scola – iniziò tra grandi diffidenze. Gli intellettuali lo accolsero con disinteresse, in Russia Majakovskij affermò che non si trattava di uno spettacolo ma di una concezione di vita”. Ettore Scola risponde, dunque, alle domande iniziali: “Senza il cinema, al pubblico  sarebbe mancata una fonte d’idee, di dubbi e sarebbe stata più vuota tutta l’umanità. Se non avessi fatto il cinema – prosegue il regista – forse avrei fatto il calzolaio o il falegname”.

Ettore Scola ricorda uno dei suoi primi grandi riconoscimenti: “Scrivevo le battute nelle sceneggiature dei film con Totò. Una volta gli lessi un copione, e il principe De Curtis rise. La sua risata fu il mio primo e unico premio Oscar”.

Il regista racconta di aver avuto come modello Steno, “ammirato e stimato come giornalista, caporedattore ed autore di film comici”. “La generazione dei registi di oggi – prosegue Scola – non ha modelli. Come possono i giovani d’oggi amare l’Italia? Ai miei tempi il Paese era uscito dalla guerra e dal fascismo, ed era dunque facile trovare dei colpevoli. Oggi, invece, non c’è un solo colpevole, ma le responsabilità sono diffuse e di tutti”. “Occorre risalire a Berlinguer per trovare qualcuno che ci soddisfa – dichiara Scola e continua – dopo di lui tutti hanno rubato, a qualsiasi zona ideologica essi appartengano”.
Read more →

Il premio per i 90 anni della Fipresci è consegnato questa sera ad un altro grande autore europeo, la cui opera cinematografica è stata soprattutto all’insegna dell’impegno politico e sociale: il premio Oscar, Costa-Gavras.

Un regista fuori dagli schemi che ci è ancora più gradito premiare nell’ambito di Festival come il Bifest 2015 dedicato ad un altro dei grandi padri del cinema politico europeo: Francesco Rosi.

Costa-Gavras, infatti, ha saputo regalare al pubblico grandi emozioni, attraverso storie che analizzavano e raccontavano in maniera onesta e senza compromessi i meccanismi e le distorsioni del potere: film come Zeta, La Confessione, Music Box, Missing, Mad City, Amen, il Cacciatore di teste, solo per citare alcuni titoli della sua carriera quarantennale, sono la testimonianza diretta della lungimiranza e della forza dello sguardo di questo grande regista che questa sera intendiamo onorare per il suo sguardo, il suo coraggio e la sua volontà di comprensione senza compromessi della politica e del potere

“Tutto il cinema è politico, anche un film d’azione che mostra eroi che salvano il mondo con una pistola. Non puoi non farti coinvolgere in ciò che avviene attorno a te: non prendendo una decisione, in realtà già ne prendi una. Se rifiuti la politica, rifiuti in realtà di relazionarti con molta gente. La peggior cosa in una società è l’individualismo”. A parlare oggi al Teatro Petruzzelli è il maestro Costa-Gavras, che il Festival del cinema di Bari ha deciso di onorare con la consegna da parte della Fipresci del Platinum Award. Preceduta dalla proiezione di “Amen” (2002), la Lezione di Cinema del regista, sceneggiatore e produttore greco, naturalizzato francese, è stata una riflessione sul rapporto che ognuno di noi deve avere con il mondo circostante. Il suo interesse è nella “piramide del potere” e nelle relazioni umane distrutte dalla globalizzazione o dal fanatismo religioso e non. “Credo che quello creato dall’Isis sia un mondo di tiranni – ha detto Costa-Gavras – mi piacerebbe girare una storia che ne indaghi le origini e le basi culturali. Oggi però si tende a fare degli arabi tutta un erba un fascio, vedi in Francia con Marine Le Pen – ha aggiunto – mentre la quasi totalità degli arabi non è estremista. In democrazia il potere esiste per difendere la libertà di ognuno”. A proposito di “Amen” (con il poster di Oliviero Toscani che suscitò violente polemiche in Italia con la sua croce che si trasformava in una svastica) il regista ha precisato che il film “non voleva essere un attacco alla Chiesa, ma a Papa Pio XII, e alla Curia, per il loro silenzio, per non aver denunciato pubblicamente i crimini efferati delle SS”. “La resistenza ai soprusi – ha poi sottolineato – è la cosa più importante”.
Read more →

Il premio del novantennale della Fipresci è consegnato ad un regista visionario e coraggioso che nel corso della sua carriera ha saputo sfruttare in pieno le potenzialità infinite della macchina cinematografica, regalandoci grandi emozioni e sorprendendoci attraverso storie originali e toccanti: Jean Jacques Annaud.

Il suo è un cinema che ha saputo cogliere la forza, l’umanità e la bellezza della natura con film come La Guerra del fuoco, L’Orso, Due Fratelli e L’ultimo lupo che vedrete tra poco, ma che, al tempo stesso, ha saputo indagare nello spirito umano con titoli come Il nemico alle porte, Sette anni in Tibet e Il principe del deserto e anche adattare per il grande schermo capolavori indimenticabili della letteratura come Il Nome della Rosa e l’Amante.

La Fipresci consegna il suo Platinum Award a Jean Jacques Annaud, un autore europeo di grande lungimiranza e intelligenza stilistica.

“Utilizzando il sistema 3D il regista si trasforma in uno scultore, mostrando un viso che si avvicina all’occhio dello spettatore, come se fossimo noi stessi all’interno di un acquario, ma dobbiamo utilizzarlo non commercialmente, per colpire lo spettatore, ma a servizio della storia narrata. È un sistema di riprese molto efficace per le scene di intimità o per dare emozione ad un oggetto particolare. Molti registi oggi non amano il 3D, ma l’ho scelto, per esempio in ”L’ultimo lupo” per creare maggiore intimità con gli animali, per meglio coinvolgere lo spettatore in un sentimento di condivisione delle emozioni del lupo”. Così il regista francese Jean-Jacques Annaud, che in serata riceve il Platinum Award dalla Fipresci, sollecitato da Michel Ciment, ha sottolineato il suo inalterato amore per la tecnologia e nuovi linguaggi visivi, umani e culturali che sono alla base de “L’ultimo lupo”, che è stato presentato in anteprima al Teatro Petruzzelli di Bari, nel corso della sesta edizione del Bif&st.

Una disponibilità di fronte a tutto ciò che può migliorare le nostre conoscenze tecnologiche e gli strumenti dei rapporti sociali, dalle emozioni al linguaggio, che continua a permeare e guidare la sua vita perché – ha precisato Annaud – “ogni adulto mantiene in sé un po’ dell’infanzia ed è bello emozionarsi ancora, pur se avanti negli anni, per un regalo. Per questo il cinema continua a interessarmi, anche se tutti, più o meno, facciamo sempre gli stessi film: il cinema è un gioco meraviglioso”. Originalità creativa nelle tematiche e nel linguaggio cinematografico da sempre alla base delle sue produzioni, fin dall’opera prima, “Bianco e nero a colori” (1976) che gli valse l’Oscar per la miglior pellicola straniera.

Annaud non si è mai cullato nel successo, né ha mai cercato di sfruttarlo con i produttori: “anzi, quelli francesi – confessa – sembrano avere una particolare avversione per lui”. E proprio i numerosi di problemi di produzione hanno spinto l’indefesso Annaud a cercare all’estero l’ambientazione e la realizzazione di molti suoi film, vedi Africa, Cina, Russia. Ma un particolare amore lo riserba anche per l’Italia, dove è stato folgorato dal neorealismo (“Altro che nouvelle vague” francese) e da uno dei tre registi che maggiormente hanno ispirato la sua vita. Ettore Scola, “i cui film – sottolinea Annaud – hanno influenzato molti francesi per il loro humor, l’eleganza delle storie e la profonda riflessione sociale che suscitano. Ho sempre desiderato di potergli rendere omaggio con i miei film”. Le altre due “Muse”, Alan Parker (per i suoi spot pubblicitari, che gli hanno fatto capire “che si può parlare anche con le sole immagini, utilizzando il linguaggio del corpo”) e Costa-Gravas (“i suoi film hanno sempre dato un senso particolare ai nostri tempi”).

Annaud ha sempre mostrato una particolare predilezione per le emozioni degli animali “per ritrovare – spiega – il comportamento dell’uomo: dobbiamo capire qual è l’animale che è in noi e come addomesticarlo”. “Lavorare con l’istinto degli animali – prosegue – mi aiuta a lavorare con gli attori, ai quali dobbiamo lasciare la possibilità di tirare fuori i propri istinti e metterli al servizio della storia narrata”. Un modo di lavorare che però si è talvolta scontrato con alcuni attori, come con Sean Connery in “Il nome della rosa” (1986): “Altro che recitazione istintiva: voleva sapere dove mettere il bicchiere, se a destra o a sinistra, dov’era il tavolo e di che altezza, e se qualcosa veniva cambiato nel copione si arrabbiava non poco”.